Nadar IV

      Los máximos representantes de esta corriente son Oscar Gustave Reglander y Henry Peach Robinson. Reglander (1813 - 1875) de origen sueco, siendo aun joven se instala en Londres alternando la fotografía en la pintura. Nunca fue un maestro de la técnica pero destaca sus grandes y complicadas composiciones alegóricas. Con él se inicio una fotografía que iba mas allá de la mera copia de la realidad física, intentando captar una realidad mas profunda constituyente de la vida psicología del personaje.

      En 1857 realizo la composición mas ambiciosa de toda la historia de la fotografía, se trata de “los dos caminos de la vida”. Es un enorme fotomontaje con unas 30 imágenes en las que utiliza negativos retocados para conseguir los efectos buscados. Es una obra donde se capta un simbolismo mostrando los caminos de la virtud y la disipación, también nos ha dejado alguna de los estudios de anatomía y a él se le debe también una de las primeras fotografías de doble exposición, la denominada “tiempos difíciles”.

      Otro fotógrafo amante de las composiciones rebuscadas fue Henry Peach Robinson, procedente del mundo de la pintura se hizo famoso en la fotografía por su abundante uso del fotomontaje. En 1858 realizo su obra mas famosa, “los últimos instantes “, que representa a una muchacha en el lecho de muerte acompañada de sus familiares, construye una demostración magistral de cómo plasmar fotográficamente una idea concreta que no ocurre en realidad sino que se crea por voluntad del fotógrafo para ser registrada con la cámara. Esta imagen es en realidad un fotomontaje de negativos, en ellos capta los personajes en las posturas adecuadas para después recortarlas y luego pegarlas sobre un boceto, una vez hecho el colege retocaba las uniones y fotografiaba de nuevo todo el conjunto.

      En la misma línea pictorialista podemos hablar de otras obras, “cuando el día del trabajo ha terminado” donde nos muestra el dominio de la luz ambiental, una luz interior y el profundo sentido visual. Robinson se convirtió en el fotógrafo mas celebre del momento y llego a publicar unas reglas que según él había que tener en cuenta para hacer fotografía, entre ellas;

- Retocar lo que no es pintoresco
- Mezclar la fotografía con el dibujo.
- Preferir el estudio a la calle.

      Sus libros fueron reeditados continuamente y al final de s vida cuando era presidente de la Royal Photopraphy Society realizo algunas magnificas fotografías sin montajes, ni pretensiones pictóricas.

Nadar III

        Hacia 1860 los fotógrafos retratistas comenzaron a colocar fondos pintados y complicarlos en lugar de simples pantallas lisas que estaban detrás de todas las poses desde el daguerrotipo se introdujo ahora columnas de cartón, verjas figuradas, montículos jardines artificiales. Igualmente surge por estos años una gran demanda de fotografías publicitarias para actores y actrices. Algunos fotógrafos llegaron a especializarse en este campo. Es estos campos publicitarios como fondo se imitaron los decorados del escenario y el actor retratado jugara su papel ante la cámara. El éxito de estas fotografías se debía en gran parte a la fuerza con que el interesado proyectaba su personalidad.

        Otra fotógrafa, Julia Margaret Cameron, (1815 – 1879) inglesa nacida en Calcuta. S forma de acercarse al mundo de la fotografía fue radicalmente distinto a los retratistas parisinos aposados por las dificultades económicas, ella se dedico a la fotografía por pura afición. A una edad mayor y viviendo ya en Inglaterra, nos dejo su biografía donde nos cuenta su afán por sacar retratos de personajes famosos y miembros de su familia, perseguía a las celebridades que admiraron para que posara para ella y los obligara prácticamente incluso regalándoles a cambio objetos y baratijas traídos de su estancia en la India.

        Igualmente perseguía indistintamente a sus hijos e hijas, nueras, yernos, nietos y vecinos. Los retratos de la Cameron tenían un aspecto muy peculiar, son fotografías hechas con un material deficiente, con un objetivo que no cubría el formato de las placas (por eso no la admitieron en la Leonard Photography Society). Pero esos defectos técnicos no le quitaban valor a sus obras, sobre todo en los retratos que son equiparables a los de Octavius Gil o a los de Nadar. Julia decidió con buen criterio que la luz natural era incontrolable por su variabilidad y por ello para establecer un control absoluto en la iluminación de sus fotografías, las realizaba en su estudio interior, lo que le implicaba someter a sus modelos a veces a una secesión de tortura china obligándolos a no moverse durante largos periodos de tiempo, aun así el desenfoque y el ligero movimiento de algunas de sus placas era inevitable constituyendo el sello personal del artista. Podemos denominar como fotografías irregulares para el concepto imperante de la época, pero trabajadas, estudiadas y resueltas con elegancia, es un nuevo concepto en el tema del retrato, científicos, criadas, vecinos, hijos, todos enfrentados al objetivo, vestidos en algunas ocasiones con trajes pictóricos y en situaciones comprometidas para dar rienda suelta a la imaginación de esta fotógrafa.

        Estas composiciones de la Cameron no fueron las únicas, pertenecían a las primeras manifestaciones de un intento de asimilar la fotografía con la pintura, surge de esa forma el movimiento pictorialista, donde se ve por parte de los fotógrafos un claro intento de evitar a la pintura, en cuanto a modelos, temas, composiciones, etc.

Nadar II

       La aeronáutica llego a ser su obsesión construyendo o financiando uno de los mayores globos del mundo “Le Geant” y en el que casi pierde la vida además de la fortuna. Existe un curioso paralelo entre las carreras de Nadar y de su contemporáneo Itienne Carjat quien realizo muchos de los mejores retratos de la época. Igual que Nadar era caricaturista, director de revistas y amigo de artistas y escritores que se reunían en el estudio que abrió en 1860.

       El éxito de este fotógrafo con el retrato al igual que Nadar posiblemente se debió a su habilidad con la caricatura la cual necesita reconocer los rasgos esenciales de un rostro con las que se revela en el carácter de una persona. Menos ostentoso y menos espectacular, Carjat fue también muy popular solamente en el año 1866 hizo 1 millar de retratos y sobresalen de su obra los retratos de Paunier, Courbet, Baudelaire, y Victor Hugo.

       Otro fotógrafo en el que se da un enfoque más deliberado fue Adan Salomon, ponía a sus modelos bajo una luz lateral, los rodeaba de paños de terciopelo para crear un efecto pictórico también colocaba algún objeto arquitectónico y las montaba sobre unas tarjetas en las que aparecía impresa la leyenda “compuesta y fotografiada por el escultor Adan Salomon”. La Martine en cierta ocasión denomino la fotografía como un plagio de la naturaleza, confesó que tras admirar los retratos por Salomón no podía sostener ya que la fotografía era solo un oficio, ahora proclamaba que era un arte, “mas que un arte, un fenómeno solar donde el artista colaboraba con el sol”.

       Cuando algunas copias de Salomón se presentaron a la “photography society the Edimburgo” se suscito una discusión entre los miembros de la academia de la sociedad, para algunos la obra de Salomón estaba retocadas, el problema se resolvió cuando se hizo un examen al microscopio y se vio que en verdad Salomón había hecho retoques. Aunque casi todos los fotógrafos decían que esa práctica era detestable, según palabra de Nadar el retoque se convirtió en una práctica rutinaria, porque el cliente lo pedía, además de retocarlo, las copias eran a menudo pintadas con colores opacos y era frecuente que en los estudios fotográficos existiera la figura del colorista.

Iluminación en desnudos

La iluminación en las fotografías de desnudos es bastante diversa. Todo depende del modelo (no es lo mismo una persona "entradita en carnes" que una delgada), de cuanto quieren enseñar, las posturas de las fotografías, etc. Dependiendo de todo esto, la luz podrá ser lateral, cenital, de borde, con algún foco rellenando o para no complicarse que se vea todo.

También a veces se usan gelatinas de colores para darle un tono distinto aunque a mi gusto, los desnudos ganan mucho mas siendo en blanco y negro. Otro truco es que los modelos se pongan aceite, así la zona donde les de luz brillara mas y la torsión del cuerpo da bastante juego, probad a que fuercen un poco la postura y giren esas carnes.

Si vais a hacer fotografías de desnudos primero conoced a la persona que os va a posar, para que cuando llegue el momento de las tomas, no se sienta nervioso, que el ambiente este caldeado para que no pase frió y lleve algo con lo que taparse entre toma y toma para descansar.